Camille Claudel, 1915

Bruno Dumont
Francia, 2013
94 minuti

Era alquanto intuibile, per i conoscitori del cinema di Bruno Dumont, che quest'ultimo, atteso lavoro, andasse a penetrare proprio nel periodo più buio della vita di Camille Claudel, focalizzandone tre giorni, del suo conclusivo periodo d'internamento.  
Ma rinfreschiamoci un attimo la memoria: Camille Claudel era una scultrice, originaria di Villeneuve (dipartimento dell'Aisne, a nord della Francia) e sorella dello scrittore Paul Claudel. Nacque nel 1864 e dopo una relazione finita male con il maestro scultore Auguste Rodin, alla morte del padre, nel 1913, fu internata dai famigliari in un manicomio del sud della Francia dove, per 29 anni, visse in attesa di una visita del fratello (con cui comunicava tramite missiva), fino al giorno della sua morte, il 19 ottobre del 1943... Camille, non potè più tornare a scolpire.

Questo è il punto fondamentale del doloroso ritratto di un'artista, il cui processo creativo subisce un irreversibile arresto. L'impossibilità d'esercitare la propria arte, sfocia progressivamente nel rifiuto della stessa; dapprima, disperatamente cercata attraverso un vacillante disegno floreale (l'albero spoglio intensamente osservato in precedenza, funge d'ispirazione nonchè, simboleggia la perdita, una sorta di svestizione - Camille messa a nudo e lavata dalle suore a inizio film) e la tentata modellazione di quella zolla di terra che, inevitabilmente, non può che riportare ancora una volta all'universo dumontiano finora svelato (dalla terra che solleva Pharaon in L'Umanità a quella, all'opposto, che tiene ancorata Barbe in Flandres) e forse, per certi aspetti, espletato con Hors Satan (chi scrive, al momento lo reputa ancora la summa). Ma la terra, in Camille Claudel, 1915 perde duttilità, ribellandosi alle mani della sua creatrice (e La Créatrice, titolo altero, fu originariamente pensato) per tramutarsi in terra arsa da calpestare, durante una sofferta "via crucis" che strugge l'animo e riduce ulteriormente la speranza. Ne consegue quindi una paralisi della creatività che ben si associa all'alienazione ambientale per cui Camille, non si discosta poi molto dalle internate (scelte tra vere donne con disturbi mentali) che Dumont riprende come di consuetudine con il suo stile, più volte contestato (ma basterebbe indietreggiare agli anni '70, a film tipo Per le Antiche Scale, di Mauro Bolognini, per far cadere tutte le accuse) e all'apparenza cinico, ma reale e innegabilmente onesto. Restando quindi coerente al pensiero bressoniano, Dumont radicalizza, ma non tanto sulla forma questa volta (tempi e soprattutto spazi, non risultano più dilatati delle opere precedenti), quanto sul dolore più profondo, sulla tormentata attesa di Camille, paralizzata dalla cinepresa che ne assorbe totalmente l'anima, per poi insinuarsi nella psiche e restringendo gradualmente il campo, fino a quell'impressionante, lentissima carrellata frontale sul volto in lacrime. Qualcosa è cambiato però; la sensazione dominante infatti, è che con il film cresca anche un senso di claustrofobia che procede per segnali (il riflesso della luce filtrante dalla finestra che incornicia Camille seduta in poltrona - gli insistiti primi piani, alquanto inusuali finora) atto a sfociare in un ulteriore rinnovamento di poetica o addirittura, in un probabile cambio di direzione. L'impressione, colta argutamente da l'emergere del possibile e su cui abbiamo avuto modo di discuterne personalmente, è che l'autore francese possa in futuro avvicinarsi al cinema da camera, iniziando un'introspezione psicologica di stampo tipicamente bergmaniano... E se così fosse, allora potremmo dire che questa volta Dumont, ci ha lasciato veramente l'anima.